Aldo Natili, 1940er Jahre Postimpressionistische italienische signierte Landschaft, Öl auf Leinwand

This significant and extremely rare work by the great Italian artist Aldo Natili (Rome, 1913–1975) depicts an urban or suburban scene characterised by dense vegetation.
Signed ‘Natili’ in the lower left-hand corner.
On the reverse are labels from two major exhibitions held at two highly prestigious art galleries in which this painting was featured in the 1950s.
One is the
GALLERIA DEL SECOLO
ROME – VIA VITTORIO VENETO
and the other is the
STUDIO D’ARTE PALMA
ROME
Piazza Augusto Imperatore, 31

In this important painting the foreground, on the right, stands out a vintage car with angular lines, rendered with swift, decisive brushstrokes.
On the left, a solitary human figure can be glimpsed walking near a low structure (perhaps a kiosk or a rural building).
The background is dominated by a row of majestic trees filtering a clear light, suggesting a scene captured en plein air.
The painting reflects Natili’s adherence to Roman-style Realism.
The influence of the Roman School’s tonalism is evident in the vibrant colour application and formal synthesis.
The brushwork is energetic and textured.
The artist does not dwell on details, but constructs volume and depth through colour combinations and contrasts between the shaded areas of the vegetation and the illuminated sections of the ground.
The palette is dominated by intense, earthy greens, with hints of blue in the sky, which appears ‘restless’ and airy—a characteristic of Natili’s artistic maturity, where light becomes a structuring element.

This beautiful work is part of a pair.
This artwork, never before on the market, comes from an important Italian private collection and is beautified by an impressive antique frame in white laquered wood, in very good condition.
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„In many ways, Aldo Natili’s work can be considered emblematic of the positions, developments and even contradictions of Italian painting between the 1930s and 1970s, particularly with regard to the situation in Rome.
Born in Rome in 1913, Natili spent his youth exploring themes close to those of the Roman School, before turning his attention to social issues in the immediate post-war period, working alongside figures such as Guttuso, Fazzini and Mafai in the Libera Associazione Arti Figurative (Free Association of Figurative Arts), which held its first exhibition in 1945.
This marked the beginning of a period of great recognition for Natili, characterised by a convinced and passionate realist language with strong civil and political implications, which, in the suffering and defeated humanity that survived the war, apparently deprived of everything, traced the signs and certainties of a future of redemption.
His bluntly realistic, sometimes almost folksy language and his strong, immediate themes bring his work from these years closer to that of Birolli, Pizzinato, Migneco and, of course, Guttuso, with whom he also shared clear and courageous political stances.
These were the years in which Natili successfully participated in the Rome Quadriennials (1948, 1952, 1956) and the memorable Exhibition of Art Against Barbarism (1951), and in which Zavattini involved him in the famous “Collezione Roma” project (1946), when the writer asked around fifty Roman artists to pay homage to the city by creating a small painting that portrayed one of its many contrasting aspects (among the many artists who took part in the initiative were Afro, Corpora, Capogrossi, De Chirico, Donghi, Guttuso, Pirandello, Prampolini, Savinio, Turcato and Ziveri).
But a growing and unstoppable distrust of realism led Natili, starting in the early 1960s, to completely different results in terms of expressive methods and pictorial composition: ‘Many aesthetics,’ declared the painter in 1960, ‘which we had proudly adorned ourselves with and believed to be part of our very substance, a sure guide for our existence and our daily work as artists, proved to be fragile and alien to the new actions that ever-changing days forced upon us.’
This marked the beginning of the last phase of his work, openly informal and increasingly abstract, to which Natili remained faithful until his death in Rome in 1975. These are dense, dark, exasperated and sometimes desperate works, a vibrant testimony to an unmediated existential struggle: ‘I would like,’ says Natili, ‘all my contradictions to come directly onto the canvas, as they really are, through the arteries of my brushes, just as blood is pushed by the heart.’
This informal period of Natili’s, characterised by a rich production of high quality, is in many ways still to be discovered and understood, as it is almost unknown except for the exhibition at the Galleria San Marco in 1963.
Natili’s work is therefore complex and diverse. Over his forty-year career, he moved, with inner consistency, from the intimism of the 1930s to the realism of the post-war period, culminating in the dramatic informal canvases of the last decade.“
Luca Quattrocchi, Full Professor
of Contemporary Art History
at the University of Siena

Aldo Natili taught from 1945 to 1955 at the Academy of Fine Arts in Rome (among his students was the painter Giulia Battaglia); from 1955 to 1963 at the Academy of Fine Arts in Carrara and from 1963 until 1975, the year of his death, at the Art School in Via Ripetta, Rome.
He was a close friend of Roberto Melli, Afro, Mirko and Dino Basaldella, Salvatore Scarpitta, Leoncillo Leonardi, Giulio Turcato, Mario Penelope, Emilio Villa, Marcello Venturoli and other artists and critics.
As anti-fascist, Aldo Natili was a friend of Umberto Terracini, Mario Alicata, Antonio Giolitti and Adolfo Battaglia, as well as poets and writers including Pablo Neruda and Alberto Moravia.

What follows is a very interesting text written directly by the artist on the occasion of one of his beautiful exhibitions that took place in one of the most prestigious art galleries: La Nuova Pesa di Via Frattina in Rome
„The years go by.
Many aesthetics that we had boasted, not without pride, and that we had believed part of our own substance, a sure guide for our existence and our daily work as artists, turned out to be fragile and alien to the new actions to which always new days forced us.
Now I would like to talk about myself without complacenty.
I now know some of my contradictions, but I would not like to crush any of them, I would like them all to arrive directly on the canvas, as they really are, through the arteries of my brushes, as blood is pushed from the heart; and that only there – not before – they were composed, of course, according to their vitality.
I would like my instincts to arrive pure on the canvas, and there, bumping against the reality of colours and looks, become, as they can, ideas.
I would like to have the strength to be satisfied, even if they were modest or incomplete, without intervening in any way to give them more important or fairer opinions.
This, of course, is what I want for myself; I don’t criticise anyone, I don’t preach for anyone; I mean, this is just my personal experience.
Every artist deals in the first place with the problem of reality, all, abstractists, realists, or that I know; and everyone militates with fervour in this or that trend precisely because he is convinced that on that path, and not for another, he will finally be able to meet that distant lady.
I believe that reality appears to us continuously in the relationship of two antagonistic forms. A reality is what I perceive on the outside, men, things, etc.; and it is also a reality what I feel living inside me, aspirations, instincts, inhibitions, etc.
The increasingly exasperated and I would say desperate emphasis that modern art has placed on the artist’s ego, understood for the first time as a reality in itself, and not only as a means of expressing it, is, in my opinion, a profound and irreversible progress.
But, I think, as if to completely define a country it is not enough to know where the centre is, the capital, but you have to know its shape and size, and therefore the borders, the other countries, mountains and the seas that surround it, so and even more, precisely that individual reality that must be affirmed is denied in its integrity if we ignore the world of objects, of the non-I, which is its continuous and inescapable envelope.
The gulfs and promontors of our consciousness are the result of inner energy but also of external things they compress in every moment, every fragment of it.
This pressure is not only the limit, but the very condition of consciousness.
The reality therefore consists in the dynamic duality I – not – I; separating the terms, or assuming only one of them as true, does not lead us, I think, to the heart of the matter.
Proceeding on the path of self-knowledge we will find a place, and it is the deepest and most true, where it can be clearly understood that the duality of the I and non-I has a unique essence, it is the fruit of a single energy, and the presence of the external world is no longer the tired and banal consequence of an absurd claim of objectivity, but it is our obvious, indispensable matter.
In that matter consist of the cause and purpose of art, the reason that constitutes in poetry the most daily moments of our lives: tenderness
Of a smile is the same tenderness of a clod, the pain of a man is like the non-existence of a stone; a leaf, a wave, the internal space of the breath.
Illuminating that place, opening up to that matter the most direct way to reach a canvas, I think is the task that is today in front of truly modern artists.“

Dimensions are frame included
Dieses bedeutende und äußerst seltene Werk des großen italienischen Künstlers Aldo Natili (Rom, 1913–1975) zeigt eine städtische oder vorstädtische Szene, die durch dichte Vegetation geprägt ist.
Signiert „Natili“ in der unteren linken Ecke.
Auf der Rückseite befinden sich Etiketten von zwei bedeutenden Ausstellungen, die in den 1950er Jahren in zwei hoch angesehenen Kunstgalerien stattfanden und in denen dieses Gemälde gezeigt wurde.
Die eine ist die
GALLERIA DEL SECOLO
ROM – VIA VITTORIO VENETO
und die andere ist das
STUDIO D’ARTE PALMA
ROM
Piazza Augusto Imperatore, 31

In diesem bedeutenden Gemälde sticht im Vordergrund rechts ein Oldtimer mit kantigen Linien hervor, der mit schnellen, entschlossenen Pinselstrichen wiedergegeben ist.
Auf der linken Seite ist eine einsame menschliche Gestalt zu erkennen, die in der Nähe eines niedrigen Bauwerks (vielleicht eines Kiosks oder eines ländlichen Gebäudes) entlanggeht.
Der Hintergrund wird von einer Reihe majestätischer Bäume dominiert, die ein klares Licht durchlassen und auf eine im Freien gemalte Szene hindeuten.
Das Gemälde spiegelt Natilis Bekenntnis zum Realismus im römischen Stil wider.
Der Einfluss des Tonalismus der römischen Schule zeigt sich in der lebendigen Farbgebung und der formalen Synthese.
Der Pinselstrich ist energisch und strukturiert.
Der Künstler verweilt nicht bei Details, sondern schafft Volumen und Tiefe durch Farbkombinationen und Kontraste zwischen den schattierten Bereichen der Vegetation und den beleuchteten Abschnitten des Bodens.
Die Farbpalette wird von intensiven, erdigen Grüntönen dominiert, mit einem Hauch von Blau am Himmel, der „unruhig“ und luftig wirkt – ein Merkmal von Natilis künstlerischer Reife, in der das Licht zu einem strukturierenden Element wird.

Dieses wunderschöne Werk ist Teil eines Paares.
Dieses Kunstwerk, das noch nie zuvor auf dem Markt war, stammt aus einer bedeutenden italienischen Privatsammlung und wird durch einen beeindruckenden antiken Rahmen aus weiß lackiertem Holz in sehr gutem Zustand verschönert.
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„In vielerlei Hinsicht kann Aldo Natilis Werk als symbolisch für die Positionen, Entwicklungen und sogar Widersprüche der italienischen Malerei zwischen den 1930er und 1970er Jahren angesehen werden, insbesondere im Hinblick auf die Situation in Rom.
Natili wurde 1913 in Rom geboren und widmete sich in seiner Jugend Themen, die denen der Römischen Schule nahe standen, bevor er sich in der unmittelbaren Nachkriegszeit sozialen Fragen zuwandte und gemeinsam mit Persönlichkeiten wie Guttuso, Fazzini und Mafai in der Libera Associazione Arti Figurative (Freie Vereinigung der Bildenden Künste) tätig war, die 1945 ihre erste Ausstellung veranstaltete.
Dies markierte den Beginn einer Zeit großer Anerkennung für Natili, geprägt von einer überzeugten und leidenschaftlichen realistischen Sprache mit starken zivilen und politischen Implikationen, die in der leidenden und besiegten Menschheit, die den Krieg überlebt hatte und scheinbar alles verloren hatte, die Zeichen und Gewissheiten einer Zukunft der Erlösung aufspürte.
Seine unverblümt realistische, manchmal fast volkstümliche Sprache und seine starken, unmittelbaren Themen bringen sein Werk aus diesen Jahren dem von Birolli, Pizzinato, Migneco und natürlich Guttuso näher, mit denen er auch klare und mutige politische Standpunkte teilte.
Dies waren die Jahre, in denen Natili erfolgreich an den Römischen Quadriennalen (1948, 1952, 1956) und der denkwürdigen Ausstellung „Kunst gegen die Barbarei“ (1951) teilnahm und in denen Zavattini ihn in das berühmte Projekt „Collezione Roma“ (1946), als der Schriftsteller etwa fünfzig römische Künstler bat, der Stadt eine Hommage zu erweisen, indem sie ein kleines Gemälde schufen, das einen ihrer vielen kontrastreichen Aspekte darstellte (zu den zahlreichen Künstlern, die sich an der Initiative beteiligten, gehörten Afro, Corpora, Capogrossi, De Chirico, Donghi, Guttuso, Pirandello, Prampolini, Savinio, Turcato und Ziveri).
Doch ein wachsendes und unaufhaltsames Misstrauen gegenüber dem Realismus führte Natili ab Anfang der 1960er Jahre zu völlig anderen Ergebnissen in Bezug auf Ausdrucksmittel und Bildkomposition: „Viele Ästhetiken“, erklärte der Maler 1960, „mit denen wir uns stolz geschmückt hatten und von denen wir glaubten, sie seien Teil unseres Wesens, ein sicherer Leitfaden für unsere Existenz und unsere tägliche Arbeit als Künstler, erwiesen sich als zerbrechlich und fremd gegenüber den neuen Handlungen, die uns die sich ständig wandelnden Tage aufzwangen.“
Dies markierte den Beginn der letzten Phase seines Schaffens, offen informell und zunehmend abstrakt, der Natili bis zu seinem Tod in Rom im Jahr 1975 treu blieb. Es sind dichte, dunkle, verzweifelte und manchmal hoffnungslose Werke, ein lebendiges Zeugnis eines unvermittelten existenziellen Kampfes: „Ich möchte“, sagt Natili, „dass all meine Widersprüche direkt auf die Leinwand kommen, so wie sie wirklich sind, durch die Adern meiner Pinsel, so wie das Blut vom Herzen gepumpt wird.“
Diese informelle Schaffensphase Natilis, die sich durch ein reichhaltiges Schaffen von hoher Qualität auszeichnet, muss in vielerlei Hinsicht noch entdeckt und verstanden werden, da sie bis auf die Ausstellung in der Galleria San Marco im Jahr 1963 fast unbekannt ist.
Natilis Werk ist daher komplex und vielfältig. Im Laufe seiner vierzigjährigen Karriere bewegte er sich mit innerer Konsequenz vom Intimismus der 1930er Jahre zum Realismus der Nachkriegszeit, was in den dramatischen informellen Leinwänden des letzten Jahrzehnts gipfelte.“
Luca Quattrocchi, ordentlicher Professor
für Geschichte der zeitgenössischen Kunst
an der Universität Siena

Aldo Natili lehrte von 1945 bis 1955 an der Akademie der Bildenden Künste in Rom (zu seinen Schülern gehörte die Malerin Giulia Battaglia); von 1955 bis 1963 an der Akademie der Bildenden Künste in Carrara und von 1963 bis 1975, dem Jahr seines Todes, an der Kunstschule in der Via Ripetta in Rom.
Er war ein enger Freund von Roberto Melli, Afro, Mirko und Dino Basaldella, Salvatore Scarpitta, Leoncillo Leonardi, Giulio Turcato, Mario Penelope, Emilio Villa, Marcello Venturoli und anderen Künstlern und Kritikern.
Als Antifaschist war Aldo Natili mit Umberto Terracini, Mario Alicata, Antonio Giolitti und Adolfo Battaglia befreundet, ebenso wie mit Dichtern und Schriftstellern, darunter Pablo Neruda und Alberto Moravia.

Es folgt ein sehr interessanter Text, den der Künstler anlässlich einer seiner wunderschönen Ausstellungen verfasste, die in einer der renommiertesten Kunstgalerien stattfand: La Nuova Pesa in der Via Frattina in Rom
„Die Jahre vergehen.
Viele ästhetische Prinzipien, auf die wir nicht ohne Stolz gepocht hatten und die wir als Teil unseres Wesens, als sicheren Leitfaden für unser Dasein und unsere tägliche Arbeit als Künstler angesehen hatten, erwiesen sich als zerbrechlich und fremd gegenüber den neuen Handlungen, zu denen uns die immer neuen Tage zwangen.
Nun möchte ich ohne Selbstgefälligkeit über mich selbst sprechen.
Ich kenne nun einige meiner Widersprüche, aber ich möchte keinen von ihnen unterdrücken; ich möchte, dass sie alle direkt auf die Leinwand gelangen, so wie sie wirklich sind, durch die Adern meiner Pinsel, so wie das Blut aus dem Herzen gepumpt wird; und dass sie erst dort – nicht vorher – natürlich entsprechend ihrer Lebendigkeit geformt werden.
Ich möchte, dass meine Instinkte rein auf die Leinwand gelangen und dort, im Zusammenprall mit der Realität der Farben und Erscheinungen, so gut es geht zu Ideen werden.
Ich möchte die Kraft haben, zufrieden zu sein, auch wenn sie bescheiden oder unvollständig wären, ohne in irgendeiner Weise einzugreifen, um ihnen wichtigere oder gerechtere Meinungen zu verleihen.
Das ist natürlich das, was ich für mich selbst will; ich kritisiere niemanden, ich predige niemandem; ich meine, das ist einfach meine persönliche Erfahrung.
Jeder Künstler setzt sich in erster Linie mit dem Problem der Realität auseinander, alle, Abstrakte, Realisten oder wen ich auch kenne; und jeder kämpft mit Inbrunst für diesen oder jenen Trend, gerade weil er überzeugt ist, dass er auf diesem Weg und nicht auf einem anderen endlich jener fernen Dame begegnen kann.
Ich glaube, dass sich uns die Realität fortwährend im Verhältnis zweier antagonistischer Formen offenbart. Eine Realität ist das, was ich äußerlich wahrnehme: Menschen, Dinge usw.; und es ist auch eine Realität, was ich in meinem Inneren spüre: Sehnsüchte, Instinkte, Hemmungen usw.
Die zunehmend verzweifelte und, ich würde sagen, verzweifelte Betonung, die die moderne Kunst auf das Ego des Künstlers legt – das erstmals als Realität an sich verstanden wird und nicht nur als Mittel zu ihrer Darstellung –, ist meiner Meinung nach ein tiefgreifender und unumkehrbarer Fortschritt.
Aber ich denke, so wie es nicht ausreicht, nur das Zentrum, die Hauptstadt, zu kennen, um ein Land vollständig zu definieren, sondern man auch seine Form und Größe kennen muss und damit die Grenzen, die anderen Länder, Berge und Meere, die es umgeben, so wird – und sogar noch mehr – genau jene individuelle Realität, die bekräftigt werden muss, in ihrer Ganzheit geleugnet, wenn wir die Welt der Objekte, des Nicht-Ichs, ignorieren, die ihre ständige und unausweichliche Hülle bildet.
Die Abgründe und Vorgebirge unseres Bewusstseins sind das Ergebnis innerer Energie, aber auch äußerer Dinge, die sie in jedem Augenblick, in jedem Bruchteil davon, komprimieren.
Dieser Druck ist nicht nur die Grenze, sondern die eigentliche Bedingung des Bewusstseins.
Die Realität besteht daher in der dynamischen Dualität Ich – Nicht-Ich; die Begriffe zu trennen oder nur einen von ihnen als wahr anzunehmen, führt uns meiner Meinung nach nicht zum Kern der Sache.
Wenn wir den Weg der Selbsterkenntnis beschreiten, werden wir einen Ort finden – und es ist der tiefste und wahrhaftigste –, an dem klar zu verstehen ist, dass die Dualität von Ich und Nicht-Ich ein einziges Wesen hat, dass sie die Frucht einer einzigen Energie ist und dass die Präsenz der Außenwelt nicht länger die müde und banale Folge eines absurden Anspruchs auf Objektivität ist, sondern unsere offensichtliche, unverzichtbare Materie.
In dieser Materie liegen Ursache und Zweck der Kunst, der Grund, der in der Poesie die alltäglichsten Momente unseres Lebens ausmacht: Zärtlichkeit
Die Zärtlichkeit eines Lächelns ist dieselbe Zärtlichkeit eines Erdklumpens, der Schmerz eines Menschen gleicht der Nichtexistenz eines Steins; ein Blatt, eine Welle, der innere Raum des Atems.
Diesen Ort zu erhellen, dieser Materie den direktesten Weg zur Leinwand zu eröffnen, ist meiner Meinung nach die Aufgabe, die heute vor wahrhaft modernen Künstlern liegt.“

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